viernes, 25 de enero de 2013

Pentagramas y claves


El lenguaje musical (2)

Nuestra música occidental usa siete sonidos naturales. Ordenados correlativamente y partiendo desde la nota DO, entre un sonido y su inmediato existe la diferencia acústica de un tono, excepto entre las notas MI-FA y SI-DO, entre las que solo existe medio tono. La ordenación correlativa de estos siete sonidos naturales se denomina escala diatónica. Cuando la ordenación se realiza a distancia de medio tono, el resultado es una escala de doce sonidos que se denomina escala cromática.

La escala actual está basada en el sistema temperado, que toma el semitono como el intervalo más cercano entre dos sonidos. Este sistema se debe al español Ramos de Pareja. Todo intervalo natural se puede subir medio tono mediante un sostenido (#) o bajar medio tono mediante un bemol (b). El efecto del sostenido o bemol desaparece con el becuadro (♮).
El pentagrama es el entramado fundamental de una partitura sobre el cual se ubican los demás símbolos. Cada una de las cinco líneas y sus espacios intermedios corresponden a los siete tonos repetitivos de la escala diatónica, de acuerdo con la clave en uso. Por ejemplo, en un pentagrama con la clave de sol, la primera línea inferior corresponde a la nota Mi (E) correspondiente al Do central (C). El espacio inmediatamente superior es Fa (F4) y así sucesivamente:

 


Las claves son signos que se escriben al principio de un pentagrama y que indican la altura y el nombre de los sonidos. Las claves utilizadas en la actualidad son tres: clave de Sol, clave de Fa y clave de Do. El sonido que da nombre a cada clave se escribe en la línea del pentagrama en la que figura dicha clave.

Clave de Sol: El centro de la espiral define la línea o espacio sobre el cual descansa la nota SOL sobre el DO central o aproximadamente 392 Hz. Situada así, se asigna a Sol sobre el Do central a la segunda línea del pentagrama contada desde la parte inferior y se conoce como la «clave de agudos». Esta es la clave más común en notación musical y se usa para la mayor parte de la música vocal moderna:

 

Clave de Fa. La línea o espacio entre los puntos en esta clave indica fa bajo el Do central o aproximadamente 175 Hz. Situada así, hace que la segunda línea del pentagrama contada desde la parte superior corresponda a fa bajo el Do central:


Clave de Do. Esta clave indica la línea (o espacio, rara vez) que representa al Do central o aproximadamente 262 Hz. Situada así, hace que la línea central del pentagrama corresponda al Do central. Mientras otras claves pueden situarse en cualquier lugar dentro del pentagrama para indicar varias tesituras, la clave de Do es considerada comúnmente una clave "movible": frecuentemente se sitúa en la cuarta línea. Esta clave es utilizada comúnmente en música escrita para viola, fagot, violonchelo y trombón. Reemplaza la clave de Fa cuando el número de líneas adicionales sobre la clave de Fa impide una fácil lectura:
 

Para resumir, la clave de Sol se pone siempre en la segunda línea del pentagrama. La clave de Fa puede ponerse en la tercera o cuarta línea. La clave de Do puede ponerse en la primera, segunda, tercera o cuarta línea.




Fragmentos tomados de La Enciclopedia del Estudiante, Santillana, y Wikipedia

domingo, 2 de diciembre de 2012

La música de Chico Novarro


Algo Contigo

 

¿Hace falta que te diga,
que me muero por tener algo contigo?
¿Y es que no te has dado cuenta,
de lo mucho que me cuesta ser tu amigo?

Ya no puedo acercarme a tu boca,
sin deseártela de una manera loca.
Necesito controlar tu vida,
saber quién te besa y quién te abriga.

¿Hace falta que te diga,
que me muero por tener algo contigo?
¿Y es que no te has dado cuenta,
de lo mucho que me cuesta ser tu amigo?

Ya me quedan muy pocos caminos,
y aunque pueda parecer un desatino,
no quisiera yo morirme sin tener algo contigo.

Ya no puedo continuar espiando,
día y noche, tu llegada adivinando.
Ya no sé con qué inocente excusa pasar por tu casa.

Ya me quedan muy pocos caminos,
y aunque pueda parecer un desatino,
no quisiera yo morirme sin tener algo contigo.



Chico Novarro

Roma y su música


La  música  en  la  antigua  Roma

 


Roma, por su parte, heredó la cultura musical griega, pero no su refinamiento artístico, y por ello su aportación a la evolución musical no fue significativa.
La transmisión oral de la música prevaleció durante todo el primer milenio después de Cristo, época en la que los romanos adoptaron las formas musicales y los instrumentos griegos, que se fueron superponiendo a otros de origen etrusco y latino.
En Roma se fue perdiendo la asociación entre música y poesía, reservándose aquella exclusivamente para acompañar a los mimos y pantomimas o las danzas colectivas.
Particular importancia tuvo en Roma la música militar. los testimonios de los escritores latinos acerca de instrumentos y danzas son muy abundantes, sobre todo en Virgilio (siglo I a C), Varrón (siglo I a C) y Tito Livio (siglo I a C y siglo I d C).
En los teatros y circos de la Roma del período imperial eran frecuentes los concursos y las actuaciones musicales ante miles de espectadores a cargo de músicos que, en ocasiones, cobraban cantidades asombrosas.
De Nerón (37-68), el emperador romano que pasó a la historia como símbolo de crueldad, se escribió que tocaba varios instrumentos musicales, jactándose de ser el mejor músico del mundo, aunque sus contemporáneos no opinaban precisamente lo mismo.

La Enciclopedia del Estudiante, Santillana, 2006

sábado, 20 de octubre de 2012

La música también es lenguaje


El lenguaje musical (2)

La música es una experiencia personal, y el significado de esa experiencia puede ser diferente para cada persona. Pero, al mismo tiempo, la música es un lenguaje que sigue sus propias leyes y que, como tal, puede estudiarse de una manera sistemática y objetiva.
Imagen bajada de ceibal.edu.uy

Existen cuatro tipos de oído: físico o externo, psíquico o interno, absoluto o de reconocimiento y relativo o de reconocimiento parcial.

El oído humano no puede percibir los sonidos inferiores a las 20 vibraciones por segundo, llamados infrasonidos, ni superiores a las 20.000 vbcs/sg, o ultrasonidos. El sonido viaja a través del aire a 334 metros por segundo. Pero lo hace mucho más deprisa a través del agua: 1.200 m/sg, o de vidrio: 5.000 m/sg. Los infrasonidos son peligrosos: pueden hacer estallar el vidrio o incluso derrumbar paredes. Algunos animales, como el murciélago, tienen un oído asombroso: oyen sonidos de hasta 120.000 vbcs/sg. Otros como el perro oyen hasta 50.000 vbcs/sg, lo que permite construir silbatos ultrasónicos muy útiles en el caso de los perros adiestrados para ciegos, que pueden llamarlos con estos silbatos cuantas veces quieran, sin molestar a las personas que conviven con ellos.

En épocas primitivas, el hombre utilizó el sonido como un sustituto del lenguaje: adónde no llegan las palabras puede llegar el sonido de un instrumento de percusión y, utilizando el sonido como un código cuyo significado se conoce, puede comunicarse con una tribu vecina.

Pero ese mismo hombre primitivo se dio cuenta también de que el sonido susurrado al oído de un niño provocaba la calma e invitaba al sueño, mientras que una figura rítmica insistentemente repetida estimulaba a la lucha.

De todas estas comprobaciones acumuladas en la mente humana durante siglos ha ido surgiendo el hallazgo de la posibilidad de utilizar el sonido con intención de influir en el ánimo o en la voluntad de quien escucha. A través de un proceso muy largo y complejo, el sonido se ha convertido en arte, en el arte de la música.

Se entiende por sonido la sensación auditiva que producen las vibraciones causadas por cuerpos elásticos. Estas vibraciones se transmiten a manera de ondas concéntricas que si son de periodicidad regular, producirán propiamente el sonido; si las ondas son de periodicidad irregular, el resultado es el ruido.

En el sonido se pueden distinguir, entre otras cualidades:

·         La intensidad. Es la fuerza con que se producen las vibraciones acústicas, lo que se llama normalmente el volumen del sonido. Según esta cualidad, los sonidos son débiles (pianos), medios, fuertes o muy fuertes (fortísimos).
·         La altura o tono. Viene determinada por el número de vibraciones por segundo. Si las vibraciones por segundo son pocas, el sonido será grave, y si el número de vibraciones por segundo es muy elevado, el sonido será agudo.
·         El timbre. Es la peculiaridad de cada voz o instrumento, la cualidad que permite saber que lo que suena es una trompeta y no un violín, aunque no se vea el instrumento.
·         La duración. Es el tiempo que un sonido permanece reconocible por el oído humano. Para representar la duración de los sonidos musicales se usa como unidad de medida el pulso, una sensación rítmica regular que se produce al escuchar o hacer música. El pulso puede ser más rápido o más lento dependiendo de la música.




Fragmentos tomados de La Enciclopedia del Estudiante, Santillana

sábado, 15 de septiembre de 2012

Alejandro Sanz


NO ME COMPARES
Alejandro Sanz


Ahora que crujen las patas
de la mecedora y hay nieve en el televisor
Ahora que llueve en la sala y se apagan
las velas de un cielo que me iluminó

Ahora que corren los lentos
derramando trova y el mundo, ring, ring, despertó
Ahora que truena un silencio feroz ahora nos entra la tos.

Ahora que hallamos el tiempo
podemos mirarnos detrás del rencor
Ahora te enseño de dónde vengo
y las piezas rotas del motor
Ahora que encuentro mi puerto
ahora me encuentro tu duda feroz
Ahora te enseño de dónde vengo
y de qué tengo hecho el corazón.

Vengo del aire
Que te secaba a ti la piel, mi amor
Yo soy la calle, donde te lo encontraste a é
No me compares
bajé a la tierra en un pincel por ti
imperdonable, que yo no me parezco a él…Ni a él, ni a nadie…

Ahora que saltan los gatos
buscando las sobras, maúllas la triste canción
Ahora que tú te has quedao sin palabras
comparas, comparas, con tanta pasión.

Ahora podemos mirarnos
sin miedo al reflejo en el retrovisor
Ahora te enseño de dónde vengo
y las heridas que me dejó el amor
Ahora no quiero aspavientos
Tan sólo una charla tranquila entre nos.
Si quieres te cuento por qué te quiero
y si quieres cuento por qué no.

Vengo del aire que te secaba a ti la piel, mi amor.
Soy de la calle
donde te lo encontraste a él.
No me compares, bajé a la tierra en un pincel por ti,
imperdonable, que yo no me parezco a él…Ni a él, ni a nadie…

Que alguien me seque de tu piel mi amor
que nos desclaven
y que te borren de mi sien
Que no me hables
que alguien me seque de tu piel, mi amor que nos desclaven
yo soy tu alma, tú eres mi aire..

Que nos separen, si es que pueden
que nos separen, que lo intenten
Que nos separen, que lo intenten
yo soy tu alma y tu mi suerte
Que nos separen, si es que pueden
que nos desclaven, que lo intenten
Que nos separen, que lo intenten
yo soy tu alma y tu mi suerte...



Fuente: musica.com

Una grande e inolvidable


Estela Raval
 

Nació bajo el signo de Tauro un 19 de Mayo del año 1929, con el nombre de Palma Nicolina Ravallo, en Buenos Aires, Argentina en el seno de una  humilde familia de inmigrantes italianos; era la meno de 8 hermanos.
Desde los 4 años de edad ya se subía a una mesa para cantar demostrando a todos su  precoz talento y apoyada por  sus  padres  y sus hermanos realiza  estudios  de  canto, baile  y declamación.
Se inicia profesionalmente a los 12 años de edad junto a su hermano Manuel Ravallo "Colorado", quien tocaba el bandoneón mientras ella cantaba y bailaba folklore vestida de gaucho. Su padre le puso el nombre de Estela, porque le decía que ella iba a cosechar una estela de éxitos en la vida.
Luego de la muerte temprana de su padre, Estela junto a su cuñada y concuñada forman el trío “Las Palomitas” que luego fuera cambiado por “Las Alondras” al existir, en ese momento, un grupo con el mismo nombre. Cantaban en castellano y en portugués.
El grupo realiza una gira por Sudamérica, permaneciendo un año en Brasil. Al regreso a Buenos Aires, en 1950, conoce al trompetista de la orquesta de Jazz “Los Colegiales”, Ricardo Romero, quien sería su esposo.  Se casarían el 5 de enero de 1954.
En 1953, Estela se integra a la orquesta del maestro Raúl Fortunato, con quien grabó el tema “Solito contigo”.
En 1955 Estela fue premiada como la mejor cantante de Jazz del año. En ese año Estela y Ricardo integraron el cuarteto vocal “Los 4 Bemoles” con el trompetista Tullio Gallo y el trombonista Jorge Pataro, saliendo de gira por los países limítrofes.

Al regreso de la gira, la presentación de “The Platters” (Los Plateros) en la Argentina los inspiró para formar un grupo musical latinoamericano con características similares que se llamó Los Cinco Latinos. Este grupo estaba compuesto por cuatro voces masculinas que eran también músicos y una femenina (Estela) que era la solista, a diferencia del norteamericano que estaba compuesto por cinco vocalistas hombres.
Por lo tanto los integrantes fueron: Estela Raval (la voz líder); Ricardo Romero (trompetista y director del conjunto); Héctor Buonsanti (tocaba el saxofón alto y el clarinete); Mario Crisiglione (ejecutaba el saxo barítono); Jorge Francisco Pataro (tocaba el trombón). Debutaron en el teatro El Tabarís el 22 de mayo de 1957.
El éxito de Los Cinco Latinos fue rotundo. Su fama trascendió a otros países del continente latinoamericano y luego en 1960 fueron a Europa, recorriendo gran parte de España durante un año y medio. A raíz del éxito en este país, tuvieron la oportunidad de presentarse en el Olympia de París. Luego viajaron a Portugal, Italia, Grecia, Egipto, Israel y Líbano para después presentarse en Inglaterra y volver a España para un programa especial de Eurovisión junto a Frank Sinatra. A finales de 1961 se presentaron en Miami, para luego partir a Los Ángeles, San Francisco, Hollywood, Las Vegas, Puerto Rico y regresaron a la Argentina después de una gira que duró casi tres años.
Realizan posteriormente varias giras mundiales posteriormente, llegando incluso hasta Japón.  En 1969 y en pleno éxito mundial Los Cinco Latinos anuncian su separación que efectuaron en febrero de 1970 después de 13 años. A partir de ese momento Estela comienza una nueva etapa como solista, solo acompañada por su marido, realizando también giras mundiales.
En 1982, con motivo del mundial de fútbol realizado en España, Estela recibe la propuesta de volver a juntar a Los Cinco Latinos para un programa especial, y así lo hicieron, se presentaron como Estela Raval y los Cinco Latinos.
Luego del gran reencuentro inician una larga gira por Europa, Puerto Rico, Venezuela, Republica Dominicana y Cuba, La Habana en donde fueran invitados de honor por la Secretaria de Cultura.
El 6 de junio de 2012 se produce su fallecimiento causada por un cáncer.



sábado, 4 de agosto de 2012

Alberto Cortez


A Daniel, Un Chico de La Guerra
 

"A mí los dieciocho
me pasaron de largo,
estrenando opiniones,
intenciones y cantos.

Como todos los chicos,
con el puño cerrado
y en las puertas abiertas
el futuro esperando.

Al tuyo, bruscamente
te lo desamarraron
y te hiciste a la niebla
en el mar del espanto.

Encallaron tus sueños... Daniel
en la turba y el barro.
Fue la muerte bandera...
y la vida un milagro.

Lo mío fue distinto... Daniel...
lo mío no fue nada.
Yo no tengo esa sombra...
que vaga en tu mirada.

Mi batalla fue el riesgo
de un machete escondido
y mi pozo de zorro,
un amor y un olvido.

Mi fusil, las pintadas
en los muros vacíos
y el morir por la Patria,
un discurso florido.

Tu excusa de ser hombre:
algo más que el motivo
de la barba y el porte
y el salir con los amigos,

fue volverte habitante... Daniel
de la lluvia y el frío;
asumir el naufragio
con los cinco sentidos.

Lo mío fue distinto... Daniel...
lo mío no fue nada.
Yo no tengo esa sombra...
que vaga en tu mirada.

Mi asunto fue un asunto
de madre preocupada
que no fuera muy tarde
el regreso a la casa.

De domingo a domingo
me peinaba las alas,
sin andar cada jueves
reclamando su alma.

La tuya, sin embargo,
agotaba hasta el alba
las escasas noticias
de las islas lejanas.

Un indicio cualquiera... Daniel
un rumor que saltara,
por pequeño que fuera...
era ya la esperanza.

Lo mío fue distinto... Daniel...
lo mío no fue nada.
Yo no tengo esa sombra...
que vaga en tu mirada.

El tiempo irá trayendo
la amnesia inexorable.
Habrá muchas condenas
y pocos responsables.

Dirán que fue preciso,
dirán, ""inevitable"",
y al final como siempre
será Dios el culpable.

La historia necesita
en sus escaparates,
ocultar el trasfondo
de tanto disparate.

No es tuya la derrota... Daniel
no cabe en tu equipaje,
¿Acaso las gaviotas...
otra vez en el aire?

Lo mío fue distinto... Daniel...
lo mío no fue nada.
Yo no tengo esa sombra...
que vaga en tu mirada."


Alberto Cortez

La música como lenguaje


El lenguaje musical (1)

1El 
La música guarda una semejanza clara con el lenguaje hablado. Como éste, se trata de un discurso sonoro que el oído puede seguir; y del mismo modo que el lenguaje hablado se construye con fonemas, sílabas, palabras y frases, la música se organiza mediante notas, motivos, frases, períodos y secciones que se estructuran en formas musicales. Uno de los principios básicos de organización formal de la música es la simetría. En las artes visuales la simetría se percibe de inmediato, pero en la música la simetría requiere tiempo, ya que solo se manifiesta mediante la repetición o reaparición de elementos que permiten el reconocimiento de lo ya oído.

La repetición es la base de la forma musical, y lo que distingue entre sí unas formas de otras es el modo particular en que las repeticiones se efectúan. Así se puede distinguir entre formas básicas que son aquellas que constan de un solo movimiento; formas compuestas, que son las que, como los libros, se estructuran en capítulos a los que se denomina movimientos, y formas libres, que serían aquellas que no se ajustan a un plan prefijado.

Dentro de las formas básicas se diferencian las formas que se estructuran por repetición de frases y las que se estructuran por imitación de temas. En las primeras categorías están las siguientes:

·         Forma primaria. Breves composiciones constituidas por una sola rase musical (AAAA…). Es el caso de las canciones en que se repite la misma frase musical mientras cambia la letra.
·         Forma binaria. Su segunda sección presenta un material musical diferente del de la primera (A-B). La suite barroca se componía de un conjunto de danzas estructuradas según esta forma.
·         Forma ternaria. Habitualmente llamada lied. Son posibles varios tipos: A-B-A; A-B-B; A-A-B; A-B-C…, pero la estructura más utilizada responde a la forma A-B-A, en la que una sección (B) se encuadra entre dos apariciones de la misma frase (A).
·         Rondó. Un tema reaparece continuamente entre otros temas de carácter secundario que sirven de contraste. Si llamamos A al principal y B.C.D… a los secundarios, tendríamos A-B-A-C-A-D-A…
·         Canción. Consta habitualmente de dos frases. La primera se llama estrofa o copia (A) y la segunda estribillo (B), desarrollando el esquema AABAB o alguna de sus variantes, y presentando las estrofas textos diferentes en cada aparición y el estribillo siempre el mismo texto.

Las formas estructuradas por imitación no utilizan la repetición de frases, sino que, en estilo polifónico, presentan temas que se imitan, transforman o varían, como el canon, el madrigal y la fuga.  

Las formas compuestas se articulan en movimientos o partes que, siendo independientes, forman un todo, como la sonata, el concierto la sinfonía y la cantata.

Las formas libres no se ajustan a un plan prefijado, siendo fruto de la inventiva del compositor, como la fantasía, el capricho y el nocturno, o de la presentación musical de un programa, con el poema sinfónico.





Fragmentos tomados de La Enciclopedia del Estudiante, Santillana

Reconocimiento


Una violoncellista argentina recibió el premio Würth en Alemania

       
La violoncellista argentina Sol Gabetta recibió este martes en Weikersheim, Alemania, el premio Würth que entrega la asociación musical de jóvenes Jeunesses Musicales Deutschland (JMD).
La celebrada artista "consiguió elevar la popularidad de la música clásica de un modo notable", señaló el jurado al explicar el premio, según consignó la agencia alemana DPA.
Gabetta, nacida en Córdoba en 1981 e hija de padres franco-rusos, recibirá también 10.000 euros que forman parte de la distinción.
La artista que estudió en Madrid, Basilea y Berlín, ha recibido numerosos lauros desde el inicio de su carrera.
El premio Würth se entrega desde 1991 a artistas, grupos y proyectos que impulsan los valores y objetivos de la asociación JMD. Entre otros fueron laureados el compositor Philip Glass, el director Claudio Abbado y conjuntos como la Filarmónica Alemana Joven, el Cuarteto Artemis y la Orquesta Federal Juvenil

Agencia TELAM,  información del 24 de Julio de 2012

       

sábado, 23 de junio de 2012






La  música  en  la  antigua  Roma








Roma, por su parte, heredó la cultura musical griega, pero no su refinamiento artístico, y por ello su aportación a la evolución musical no fue significativa.
La transmisión oral de la música prevaleció durante todo el primer milenio después de Cristo, época en la que los romanos adoptaron las formas musicales y los instrumentos griegos, que se fueron superponiendo a otros de origen etrusco y latino.
En Roma se fue perdiendo la asociación entre música y poesía, reservándose aquella exclusivamente para acompañar a los mimos y pantomimas o las danzas colectivas.
Particular importancia tuvo en Roma la música militar. los testimonios de los escritores latinos acerca de instrumentos y danzas son muy abundantes, sobre todo en Virgilio (siglo I a C), Varrón (siglo I a C) y Tito Livio (siglo I a C y siglo I d C).
En los teatros y circos de la Roma del período imperial eran frecuentes los concursos y las actuaciones musicales ante miles de espectadores a cargo de músicos que, en ocasiones, cobraban cantidades asombrosas.
De Nerón (37-68), el emperador romano que pasó a la historia como símbolo de crueldad, se escribió que tocaba varios instrumentos musicales, jactándose de ser el mejor músico del mundo, aunque sus contemporáneos no opinaban precisamente lo mismo.

La Enciclopedia del Estudiante, Santillana, 2006

sábado, 8 de octubre de 2011

La música de León Gieco

Solo le pido a Dios
León Gieco


Sólo le pido a Dios
que el dolor no me sea indiferente,
que la reseca muerte no me encuentre
vacío y solo sin haber hecho lo suficiente.

Sólo le pido a Dios
que lo injusto no me sea indiferente,
que no me abofeteen la otra mejilla
después que una garra me arañó esta suerte.

Sólo le pido a Dios
que lo injusto no me sea indiferente,
si un traidor puede más que unos cuantos,
que esos cuantos no lo olviden fácilmente.

Sólo le pido a Dios
que la guerra no me sea indiferente,
es un monstruo grande y pisa fuerte
toda la pobre inocencia de la gente.

Sólo le pido a Dios
que el engaño no me sea indiferente,
si un traidor puede más que unos cuantos,
que esos cuantos no lo olviden fácilmente.

Sólo le pido a Dios
que el futuro no me sea indiferente,
Desahuciado está el que tiene que marchar
a vivir una cultura diferente


Los sonidos de la Tierra


¿Cómo hacer comprender a un habitante de un planeta lejano lo que son y cómo viven los seres humanos en la Tierra? Esta fue la pregunta que se planteó a un comité de expertos en 1977, cuando las naves espaciales de EUA Voyager 1 y 2 iban a ser lanzadas en un viaje al espacio con un saludo para cualquier forma de vida inteligente con que se toparan. Para sorpresa de muchos, los expertos coincidieron en que uno de los mejores modos de comunicarse con extraterrestres sería no con palabras o imágenes, sino con música. Dedicaron los 87 minutos del videodisco de los Voyager a una selección de los “grandes éxitos musicales de la Tierra”
¿Por qué la música? En primer lugar, porque se estructura —desde un blue de ocho compases hasta una compleja fuga de Bach— se basa en números, y la armonía es de fácil análisis matemático. Las matemáticas son el lenguaje más universal, por lo que era más probable que los extraterrestres comprendieran la estructura matemática de nuestra música más que cualquier otra cosa sobre nosotros. Además, expresa los sentimientos humanos mejor que otros medios y podría representar la variedad de culturas. No ha habido sociedades sin su música típica para expresar tristeza y dolor, alegría y tranquilidad.
Al seleccionar la música que representaría a la humanidad en el universo, la clave fue la variedad. Se eligieron canciones aborígenes de Australia, el Night Chant de los navajos y una canción de boda peruana; música de gamelán de Java, de zampoñas de las islas Salomón y de Perú, una raga de la India y música ch’in de China; piezas para gaitas de Azerbaiyán, flautas de Bambú de Japón y percusiones del Senegal.
También se incluyeron canciones de Georgia, Zaire, México, Nueva Guinea y Bulgaria; el blues Dark Was the Night con Blind Willie Jonson, Melancholy Blues con el trompetista de Jazz Louis Armstrong y Johnny B. Goode con el cantante de rock Check Berry. De la tradición culta occidental se seleccionó música para flauta renacentista, tres obras de Bach y dos de Beethoven, un aria de La flauta mágica de Mozart y La consagración de la primavera de Stravinsky.
¿Son éstos los éxitos musicales de la Tierra? Al menos son hoy los que más podrían persistir. El videodisco, de cobre con chapa de oro, fue fabricado para que dure 1.000 millones de años.

¿Sabía usted qué...? Reader’s Digest, 1990

sábado, 1 de octubre de 2011

La música de Ricardo Arjona

Historia de taxi
 

Eran las diez de la noche, piloteaba mi nave
Era mi taxi un VolksWagen del año 68
Era un día de esos malos donde no hubo pasaje
Las lentejuelas de un traje me hicieron la parada

Era una rubia preciosa, llevaba minifalda
El escote en su espalda llegaba justo a la gloria
Una lágrima negra rodaba en su mejilla
Mientras que el retrovisor decía: ve que pantorrillas
Yo vi un poco mas...

Eran las diez con cuarenta, zigzagueaba en reforma
Me dijo me llamo Norma, mientras cruzaba la pierna
Sacó un cigarro algo extraño, de esos que te dan risa
Le ofrecí fuego de prisa y me temblaba la mano.
Le pregunte por quien llora y me dijo por un tipo
Que se cree que por rico puede venir a engañarme.
No caiga usted por amores, debe de levantarse (le dije)
Cuente con un servidor si lo que quiere es vengarse
Y me sonrió

Que es lo que hace un taxista seduciendo a la vida
Que es lo que hace un taxista construyendo una herida
Que es lo que hace un taxista enfrente de una dama
Que es lo que hace un taxista con sus sueños de cama
Me pregunté...

Lo vi abrazando y besando a una humilde muchacha,
Es de clase muy sencilla, lo sé por su facha.
Me sonreía en el espejo y se sentaba de lado,
Yo estaba idiotizado, con el espejo empañado.
Me dijo: doble en la esquina, iremos hasta mi casa
Después de un par de tequilas, veremos que es lo que pasa.
Para que describir lo que hicimos en la alfombra,
Si basta con resumir que le besé hasta la sombra
Y un poco mas...

No se sienta usted tan sola, sufro aunque no es lo mismo,
Mi mujer y mi horario han abierto un abismo.
Como se sufre a ambos lados de las clases sociales,
Usted sufre en su mansión, yo sufro en los arrabales.
Me dijo vente conmigo, que sepa no estoy sola.
Se hizo en el pelo una cola, fuimos al bar donde estaban.
Entramos y precisamente él abrazaba a una chica.
Mira si es grande el destino y esta ciudad es chica.
Era mi mujer...

Que es lo que hace un taxista seduciendo a la vida
Que es lo que hace un taxista construyendo una herida
Que es lo que hace un taxista cuando un caballero
Coincide con su mujer en horario y esmero.
Me pregunte...

Desde aquella noche ellos juegan a engañarnos.
Se ven en el mismo bar...
Y la rubia para el taxi siempre a las diez,
en el mismo lugar



La música en Grecia



Aunque se ha intentado descifrar un fragmento escrito en caracteres cuneiformes procedente del pueblo hitita (c. 1900 a.C.), la música europea conocida más antigua es la de los griegos y romanos, desde el año 500 a.C. hasta el 300 d.C. La Grecia clásica fue una sociedad muy interesada en la música. Se conservan menos de una docena de ejemplos de música griega, escrita en una notación alfabética que no puede descifrarse con certeza. Los grandes pensadores griegos discutieron el papel de la música en la educación de los ciudadanos, partiendo de la idea de que la música influye en el carácter del que la escucha, y debatieron sobre su naturaleza y función en el Estado.
Conocemos muchos detalles de la música griega gracias a Platón (siglo V a C), Aristóteles (siglo IV a. C), Plutarco (siglos I y II d.C), Ptolomeo (siglo I d. C.) y otros autores. Muchos escritores antiguos creían que la música había sido creada por el dios Apolo, el músico mitológico Orfeo y otras divinidades, y que reflejaba en el microcosmos las leyes de la armonía que rigen el universo.
La música griega fue en un primer momento monódica (una sola melodía cantada o tocada sin armonía). A veces, uno o más músicos tocaban al mismo tiempo una variación de la melodía mientras otros interpretaban la versión original. Esto produjo una técnica musical algo más compleja denominada heterofonía. La asociación entre números y música fue una de las características que distinguió a la escuela pitagórica. El filósofo Pitágoras fue el primero en estudiar la relación entre la longitud y tensión de las cuerdas y los sonidos producidos por estas, y en definir teóricamente la escala de siete sonidos que seguimos usando en la actualidad.
El ritmo de la música griega estaba íntimamente unido al lenguaje. En una canción, la música reproducía el ritmo del texto. En una obra instrumental se seguían los modelos rítmicos de los pies métricos de la poesía. La estructura interna de esta música se basaba en un sistema de modos que combinaban una escala con contornos melódicos especiales y modelos rítmicos. Una organización similar existe hoy en la música islámica y en la india. Como a cada modo le correspondían características rítmicas y melódicas propias, los oyentes podían reconocerlos. Los filósofos opinaban que cada modo tenía una cualidad emocional peculiar que podían experimentar los oyentes.
En Grecia, la música tenía una importante función social relacionada con las celebraciones públicas, las ceremonias del Estado y la pompa de los soberanos. Además, estaba íntimamente unida a la poesía y el teatro, y fue parte fundamental del teatro clásico, en el que se alternaban en escena diálogos hablados con fragmentos corales cantados.
Los instrumentos griegos más habituales fueron la kithara, un tipo de lira asociada a Apolo, y el aulos, parecido al oboe, asociado al culto del dios Dioniso. La kithara se utilizaba para producir un efecto de relajación e inspiración en los oyentes y el aulos para comunicar excitación. Ambos se utilizaron en ceremonias religiosas y en el teatro, donde acompañaban a la representación de los dramas. También inventaron el hydraulis, un órgano en el que el suministro del aire se estabilizaba gracias a la presión hidráulica. La música instrumental alcanzó su cúspide en torno al 300 a.C., cuando numerosos músicos participaban en concursos.
Sin embargo, a pesar de las numerosas pruebas de interés por la música reflejadas en todo tipo de escritos, carecemos de una idea precisa de cómo podía sonar la música en la época porque, al contrario de lo que sucedió con la literatura, la escultura y la arquitectura, ares de las que sí conservamos abundantes testimonios, la música del mundo antiguo se transmitía en forma oral y, al no queda escrita, cayó en el olvido con el paso del tiempo.


Enciclopedia del estudiante, Santillana y Encarta 2005 

sábado, 17 de septiembre de 2011

La música de Jairo

Caballo loco
Música: Jairo
Letra: Daniel Salzano
 

Aquí te traigo las llaves
de la casa de Belgrano,
como quiere el abogado
 te las doy en propias manos.
Ahora la casa es tuya
vos sabrás lo que hay que hacer,
podés cerrarla, venderla,
o ponerla... o ponerla en alquiler

Me dijo el almacenero
que hay un tipo interesado,
anda loco por mudarse
y pagaría al contado.
Yo hace un mes que estoy viviendo
en un hotel de Cangallo,
aburrido como un hongo,
 y más solo que un caballo.

Vos sabés como es la vida
que se lleva en los hoteles,
durmiendo, mirando el techo,
garabateando papeles.
A vos te veo preciosa,
te has dejado el pelo largo.
te parecés al dibujo de la virgen,
de la virgen de Leonardo

Te acordás que lo compramos
cuando fuimos a Milán,
lo pegamos con dos chinches
en la puerta del desván.
Ahora tengo que irme,
estoy mal estacionado.
No tengo mucho que hacer
pero ando siempre apurado

No te vayás a olvidar
de decirle al abogado
que ya te entregué las llaves,
si no se pone pesado.
Ya sabés donde encontrarme,
en el hotel de Cangallo,
si se te ocurre llamarme
preguntá... preguntá por el caballo.

La Música de la India


Así como no existe una lengua india propiamente dicha, sino cientos de lenguajes diferentes, tampoco existe una entidad única en la música de la India. La gama de estilos y tradiciones musicales del subcontinente del sur de Asia, que comprende a los modernos estados de la India, Pakistán, Bangladesh, Nepal y Sri Lanka, está en relación con la vasta área geográfica que ocupa y la densidad de su población. Ello resulta más obvio en el caso de la música folclórica y tribal. Dado que la India es predominantemente rural, podría pensarse que dichas categorías de música son las mayoritarias. Por otra parte, el rápido desarrollo de las comunicaciones y el acceso más amplio a los medios de comunicación de masas han contribuido a crear lo que casi constituye, a pesar de las diferencias lingüísticas, una música popular pan-india, grabada y difundida por medios electrónicos. Esta música tiene su origen en la industria cinematográfica india, en la cual tienden a sumarse, a las fórmulas comunicativas habituales, otros subproductos como las canciones y los bailes. Las canciones de las películas se escuchan en toda la India, en las calles de las ciudades e incluso en las aldeas remotas, y se han convertido en una de las exportaciones culturales más importantes del país. Se trata de un género marcadamente ecléctico; toma prestado libremente desde músicas de los intérpretes indios hasta melodías populares de todo el mundo, incluidos algunos sistemas armónicos occidentales. Por otra parte, la música india se caracteriza por sus melodías para solista o al unísono, con uso frecuente de un sonido sostenido o pedal —audible o sugerido— y ciclos rítmicos. Es inigualable por su variedad de tipos melódicos y rítmicos y por los instrumentos musicales que utiliza.

Lo que generalmente se entiende por música de la India se refiere a la tradición clásica, que se basa en el sistema melódico de los raga y el sistema métrico de los tala. Esta música se remonta miles de años, a los tiempos de los cantos de los Veda, aunque alcanzó su forma actual durante los últimos 400 o 500 años. Esta evolución de casi dos mil años ha sido documentada en una serie de tratados teóricos, la mayor parte de ellos escritos en sánscrito. El término habitual de los textos en sánscrito para referirse a la música es sangit, palabra que denota la primacía de la música vocal; la música instrumental se deriva en gran parte de aquélla, y la danza es otro elemento integrador. Si bien no se espera que los músicos sean bailarines, sí es vital que los bailarines sean músicos. Las invasiones musulmanas y el establecimiento del sultanato de Delhi en el siglo XIII y del Imperio mogol en el siglo XVI en la parte norte del subcontinente, contribuyeron a la ramificación de la música clásica del siglo XVI: por una parte, en la tradición moderna de la música indostánica, y, por otra, en la tradición sureña de la música de Carnatia, así como en el cambio gradual de ambos estilos partiendo de su aplicación religiosa hasta su transformación en entretenimiento cortesano. Ambas corrientes mantienen en su base los ragas y talas, y comparten muchos otros aspectos comunes, aunque son lo suficientemente diferentes como para requerir cada una, una formación específica. Desde su independencia en 1947 y la desaparición de las cortes principescas, la música india ha llegado a las salas de conciertos, los estudios de grabación y los escenarios del mundo.


Encarta, 2005. 

sábado, 10 de septiembre de 2011

La música de Soda Stereo

Cancion Animal'
 

Hipnotismo de un flagelo
dulce, tan dulce
cuero, piel y metal
carmín y charol.
Cuando el cuerpo no espera
lo que llaman amor...
Cada lagrima de hambre
el más puro néctar
nada más dulce que el deseo en
cadenas.
Cuando el cuerpo no espera
lo que llaman amor...
(siempre) más
se pide y se vive
canción animal
canción animal.
No me sirven las palabras
gemir es mejor
cuando el cuerpo no espera
lo que llaman amor.
más se pide y se vive
canción animal
canción animal

Soda Stereo

Música japonesa


La música tradicional de Japón es interpretada por pequeños conjuntos de instrumentos y voces. Las composiciones suelen tener una estructura de tres partes llamadas jo-ha-kyū. Su estructura consta de una introducción, una parte a modo de relajamiento en la sección central, y un efecto de aceleración hacia el final de la obra. Esta disposición se conserva en gran parte de la música japonesa y se aplica tanto a las frases musicales individuales como a las composiciones en su conjunto.

La música del sintoísmo, la antigua religión japonesa, se llama kagura (la buena música). Se utiliza en las ceremonias religiosas o en las funciones imperiales y también en los festivales folclóricos sintoístas. Las canciones y danzas están destinadas a alabar a los dioses y a entretenerlos. La música de los festivales estacionales se interpreta con tambores, carracas y flautas; los bailarines interpretan esta música dentro y fuera de los templos. Sus actuaciones están intercaladas con cantos a los dioses.
La música budista de Japón se canta en sánscrito, chino o japonés. Se caracteriza por una profusa ornamentación y un ritmo libre. Las campanas suenan de forma intermitente. Las danzas bon-odori del festival o-bon están limitadas en sus movimientos; las acompañan cantantes y a veces la flauta, el tambor y el shamisen, un laúd de tres cuerdas.

La antigua música cortesana de Japón (gagaku) tiene sus orígenes en el siglo VIII. Proviene principalmente de China y Corea. Las orquestas gagaku pueden contar con hasta 17 músicos entre los instrumentos de viento-madera, de cuerdas pulsadas y percusión. Entre los vientos se incluye una flauta, generalmente del tipo conocido como ryûteki; un tubo corto de doble lengüeta llamado hichiriki; y un shô, un órgano de boca sin lengüetas que tiene 17 tubos de bambú insertados en una caja semiesférica con un agujero para soplar. La flauta y el tubo de doble lengüeta tocan la melodía, mientras el órgano de boca hace un fondo de sonidos superpuestos. Las frases de la música se marcan mediante los sonidos de un tambor horizontal de doble membrana (kakko), un tambor colgante grande (taiko) y un pequeño gong (shôko), así como por medio de unas melodías y arpegios cortos interpretados con el laúd de cuatro cuerdas (biwa) y la cítara de 13 cuerdas (koto). La música de gagaku utiliza seis modos o escalas de origen chino, todas ellas derivadas de dos escalas pentatónicas básicas: ryo (re, mi, fa sostenido, la, si, además de sol y do sostenido como notas auxiliares) y ritsu (sol, la, do, re, mi, además de si y fa como auxiliares). Los compases de la música de gagaku son básicamente de dos tiempos.

La música para teatro a principios de la edad media estuvo influida por la música budista primitiva. Consistía en acompañamientos al laúd de unas narraciones llamadas heikebiwa y de música para el teatro nō. Los acompañamientos al laúd establecían unas estructuras melódicas y rítmicas que solían representar emociones o situaciones específicas. La música del nō contiene partes para voces y para instrumentos. Los actores o un coro cantan mientras los instrumentistas les acompañan con un tambor de hombro (ko-tsuzumi) y un tambor de cadera (ô-tsuzumi). El conjunto instrumental completo (llamado hayashi) incluye también una flauta (nô-kan), que señala las divisiones formales dentro del drama, añade color a los momentos líricos y acompaña a las danzas, para las cuales también se usa el tambor taiko. La música de nō utiliza sus patrones melódicos y rítmicos dentro de unas formas preestablecidas, pero se toca con una velocidad (tempo) flexible. Las variaciones en el tempo de la música del nō las marcan los intérpretes de los tambores.

La forma más popular de teatro tradicional japonés es el kabuki, que se estima que nació en 1596, y logró establecerse a mediados del siglo XVII. La música de kabuki utiliza instrumentistas y cantantes, la mayoría de los cuales se sientan en la parte trasera del escenario, mientras que otros permanecen fuera de la escena ejecutando efectos sonoros y una música de acompañamiento especial. La forma principal de la música de danza en el kabuki es el nagauta, interpretado por el grupo instrumental del nō y el shamisen. La forma musical más famosa usada en las obras de marionetas se llama gidayū.

A partir de 1500 se hizo popular la música para los instrumentos solistas shamisen y koto. Originariamente, la música de ambos instrumentos era una colección de canciones cortas no relacionadas entre sí (kumiuta). Sin embargo, la música koto desarrolló algunas formas que son totalmente instrumentales y otras que son en parte vocales. Un ejemplo de forma totalmente instrumental es el danmono, que es un tema con variaciones. Un ejemplo de combinación instrumental y vocal es el jiuta, en el que se alternan las voces y los instrumentos. En los interludios instrumentales se usan de uno a tres kotos, a los que suele añadirse un shamisen y un shakuhachi, una flauta vertical. La música de shamisen es de dos tipos: piezas líricas para el entretenimiento hogareño (utaimono); y la música teatral para el drama kabuki y las obras de marionetas. El koto suele afinarse en una de las dos escalas pentatónicas de origen local: la in (re, mi bemol, sol, la, si bemol, con notas auxiliares fa y do) y el yo (re, fa, sol, la, do, con mi y si bemol auxiliares).

Cuando Mutsu-Hito se convirtió en emperador de Japón, como Meiji Tenno, en 1867, se empezaron a aceptar las influencias occidentales. Los compositores desarrollaron nuevas formas basándose en modelos occidentales. Japón posee ahora muchas orquestas y compañías de ópera excelentes. La música que se enseña en las escuelas públicas es básicamente occidental. A pesar de ello, la antigua música tradicional sigue siendo popular. Uno de los profesores responsables de la introducción de los modos europeos fue Suzuki Shin'ichi, que estudió en Berlín. Fue él quien diseñó un método muy aclamado de enseñanza musical para la infancia (especialmente el violín). Takemitsu Toru uno de los compositores modernos más conocidos de Japón, se atrevió a producir una nueva música con instrumentos japoneses utilizados a la manera occidental. Réquiem para cuerdas (1957) es una de sus obras más interpretadas. November Steps II (1967) es un concierto doble para orquesta e instrumentos japoneses, encargado por la Orquesta Filarmónica de Nueva York. También ha compuesto varias piezas para el pianista estadounidense Peter Serkin.

La música folclórica japonesa, de origen muy antiguo, existe básicamente bajo las formas de una música de carácter religioso, canciones de trabajo y acompañamientos a la danza. Los entretenimientos folclóricos, como los bailes de máscaras, el teatro folclórico y las danzas comunales, incluyen partes musicales y acompañamientos. Las tribus del norte de Japón, como los ainus, tienen una tradición musical distinta que sugiere vínculos ancestrales con el norte de Asia.


Encarta,  2005