Los instrumentos musicales

Arpas y Liras

Estos instrumentos se cuentan entre los más antiguos y aparecen en todo el mundo de la Antigüedad. Consisten básicamente en cuerdas tendidas sobre un marco que se hacen sonar pulsándolas. Arpas y liras se asocian a deidades mitológicas como Orfeo y a los ángeles, y es posible que procedan del arco de los cazadores.

Por lo que respecta al arpa, este instrumento va verticalmente desde el cuello o consola hasta la caja de resonancia o tabla. Las arpas cuentan con tres modelos básicos: arpa arqueada, en la que el cuello y la tabla tienen forma de arco; arpa angular, en la que forman un ángulo recto y el arpa de marco, en el que la tercera pieza, la columna, se coloca en el lado opuesto al ángulo, entre el cuello y la tabla, con lo que forman un triángulo seguro para soportar la tensión de las cuerdas. El arpa de orquesta moderna es del tipo de marco, grande y con 46 o 47 cuerdas (seis octavas y media, con siete cuerdas por octava). Las cuerdas graves están entorchadas, las agudas son de tripa o nailon. Para producir alteraciones (sostenidos o bemoles), el instrumento tiene siete pedales de doble acción. Cada pedal controla una cuerda en cada octava. El arpa se afina en la escala de do bemol mayor: cuando se pisa el pedal un nivel, cada cuerda controlada por él sube un semitono, de do bemol a do natural; cuando se pisan dos niveles, sube un tono, de do bemol a do sostenido.

Su antigüedad queda confirmada por una pintura de alrededor del año 1400 a. C. aparecida en la pared de una tumba egipcia de Rekhmire, en el Valle de los Nobles en Tebas. A David (hacia 1010-970 a.C.) segundo rey hebreo, se atribuye la autoría de los Salmos bíblicos y se lo representa tocando el arpa. Las arpas de arco, las más antiguas, fueron conocidas en Sumer y Egipto entre los años 3000 y 2000 a.C. aproximadamente. Las arpas angulares aparecieron algo después. Las primeras aún se encuentran hoy en Birmania, zonas de África, algunas de Siberia y en territorios aislados de Afganistán. Las angulares fueron importantes en la música medieval árabe y persa. Se utilizaron hasta finales del siglo XIX en este último país. Las arpas de marco, casi exclusivamente europeas, aparecieron en el siglo IX y se desarrollaron en dos versiones, una utilizada en Irlanda y Escocia, y otra en la Europa continental. El arpa irlandesa es un instrumento potente, con una caja de resonancia amplia y profunda, tallada en un bloque de madera, cuello fuerte y grueso, y una dura columna curvada. Cuenta con 30 a 50 cuerdas metálicas que se pulsan con las uñas y producen un sonido brillante. Se utiliza desde el año 1800 aproximadamente. Las arpas medievales en otros lugares de Europa fueron más pequeñas y ligeras, con unas 7 a 25 cuerdas aparentemente de metal, y una tabla más estrecha y plana. En torno al 1500 se empezaron a utilizar cuerdas de tripa, y apareció una forma más alta con columna recta que pudo soportar más tensión de las cuerdas que la columna curvada. Esta arpa gótica es el antecedente de las arpas folclóricas de Iberoamérica y de las arpas irlandesa moderna y de orquesta.

Como la música desde el siglo XVI al XVIII fue demandando más notas que las siete del instrumento europeo, se hicieron intentos para producir las demás notas. Se incluyó una segunda fila de cuerdas afinadas con los bemoles y sostenidos (arpas cromáticas), se colocaron pequeños ganchos en el cuello que podían doblarse para acortar las cuerdas y subir su afinación y, por último, se conectaron esos ganchos (después discos rotativos) a pedales mediante palancas y alambres situados dentro de la columna. Inventada en 1720, la primera arpa de pedales simples pudo subir la afinación de determinadas cuerdas, lo que le permitió tocar en muchas tonalidades (no todas). Este sistema fue superado por el de doble acción, inventado en 1810 por Sébastien Érard en París.

La lira, por su parte, es un instrumento musical de cuerda formado por dos brazos que sobresalen de una armadura cerrada o cuerpo. Sobre éstos se apoya un travesaño al que se sujetan las cuerdas. Éstas se dirigen hacia el cuerpo, pasan por encima de la tapa armónica, sobre el puente y terminan en un cordal en el extremo inferior de la tapa. En las liras de tabla el cuerpo puede ser el caparazón de una tortuga o un cuenco tallado y la tapa es de piel animal. En la antigua Sumeria, hacia el 2800 a.C., se utilizaron cajas con brazos asimétricos. Esta lira apareció también en Egipto junto con la simétrica, más pequeña. El instrumento fue muy popular en Grecia y estuvo asociado al culto del dios Apolo — según la mitología griega, fue inventada por el dios Hermes. Más tarde, su hermano Apolo (dios de la verdad, la luz, la música y la poesía) enamorado de los sonidos de aquel instrumento, se lo cambió a Hermes por un rebaño de vacas— pero ya Homero mencionaba la Ghorminx, lira preclásica propia del arte micénico. Se fabricaron en la época clásica dos grandes variedades: la kithara, propia de músicos profesionales, era una lira de tabla con brazos simétricos gruesos y huecos que se tocaba con un plectro o púa. La lyra, utilizada por los músicos aficionados y punteada con los dedos, era una lira de caparazón, casi siempre de tortuga, con un parche de piel de toro. Se dice que Hermes ofreció este instrumento tanto a Apolo como a Orfeo, como símbolo de expresión poética. El antiguo kinnor hebreo, instrumento del rey David, fue como la kithara y tiene posible origen asirio. En tiempos modernos se han tocado liras parecidas, con o sin puente, en el África oriental. Se incluyen aquí la beganna, que es también como la kithara, y la lira krar, ambas de Etiopía pero de más modestas dimensiones. En las antiguas liras africanas las cuerdas estaban enrolladas en el travesaño y se tensaban estirando las vueltas o insertando pequeñas cuñas de madera. Los dedos de la mano izquierda amortiguan las cuerdas sobrantes, mientras los de la derecha pulsan todas las cuerdas con o sin plectro. Las liras de tabla se utilizaron con profusión en el norte de Europa hasta el año 1000 d.C. Solían tener travesaños tallados en la misma pieza de madera del cuerpo y clavijas. Hasta esa época estos instrumentos se punteaban, después fue más común el frotamiento con arco. Las liras de arco sobrevivieron hasta el siglo XX en Finlandia y Estonia. En Gales, el crwth, instrumento de los bardos celtas, que tenía un diapasón al costado del cuerpo, se utilizó hasta principios del siglo XIX.

Encarta, 2005

La enciclopeida del estudiante, Santillana, 2006 

Las pianolas

El mágico piano mecánico

 

Todavía en la década de 1920, las pianolas eran una de las formas de entretenimiento más populares en todo el mundo. Con teclas que subían y bajaban como si las tocaran dedos fantasmales, estas “pianolas” (en realidad este nombre fue la marca comercial de un fabricante) llenaban con su música tanto bares oscuros como salones respetables. Sólo en los Estados Unidos, a principios de la década citada fueron fabricados medio millón de estos instrumentos. Pero en la de 1930, con la creciente popularidad de la radio y el gramófono, prácticamente desaparecieron.

La primera pianola se patentó en Francia en 1863. Consistía en un gabinete con “dedos” de fieltro, que se colocaba en la parte delantera del piano, sobre las teclas. En su interior, una barra rastreadora “leía” los orificios de un rollo de papel giratorio, como los de las tarjetas perforadas de computadora. Entonces, la barra activaba el sistema de fuelles que hacía a los “dedos” pulsar las teclas adecuadas. En modelos posteriores, todo el mecanismo quedó incorporado al piano mismo.

En algunos modelos, el usuario tenía que pedalear los fuelles para controlar el volumen y la velocidad, lo cual requería gran habilidad, de modo que pocas veces lograba éxito total al respecto. En modelos más avanzados, que se conocieron como pianos reproductores, los efectos expresivos de los pedales se incluyeron en una hoja perforada que reproducía cualquier matiz, de un concierto, como un cambio de tempo.

Pianistas famosos de todos los tipos de música, desde Rachmaninoff y Debussy hasta George Gershwin y “Fats” Waller, hacían cola para grabar sus interpretaciones en rollos de pianola, que se reproducían para  venderlos como los discos o los casettes actuales. La enorme ventaja del rollo era que la música se escuchaba en un piano de verdad (incluso en los discos compactos de hoy día inevitablemente se pierde algo de la calidad de la música interpretada en vivo, pese a los complejos procesos de grabación).

La tecnología computarizada de finales de siglo XX ha alcanzado a las pianolas. En la década de 1970, la compañía japonesa Marantz desarrolló el Pianaocorder, sistema de cinta magnética de computadora especialmente codificada, que se instalaba en un piano para que el pianista grabe mientras toca. Luego pude sentarse y escuchar, pues el instrumento reproduce la interpretación con todo y errores.

¿Sabía usted qué...?, Reader’s Digest, 1990

La música y sus estilos

Estilos y géneros musicales

 

En el lenguaje musical pueden distinguirse tres elementos principales:

·         La melodía es una sucesión de sonidos dispuestos en períodos o frases musicales. La melodía es fundamentalmente producto de la inspiración del músico; por eso, es difícil someterla a leyes. Según sea su medio de expresión, podrá ser vocal o instrumental. La melodía es el elemento de la música que permite seguir con cierta lógica el discurso del lenguaje musical. A ello ayudará la comparación con el lenguaje gramatical. La melodía diferencia una canción o composición de otra, del mismo modo que una obra literaria o un discurso oral se diferencia de otro.

·         El ritmo es la ordenación de sonidos en el tiempo según determinadas reglas. Musicalmente viene dado por la relación que, en cuanto a valor, guardan entre sí los sonidos en su fluir continuo. Para su mayor comprensión, el músico realiza una serie de divisiones atendiendo a la acentuación y al pulso de la música, que él denomina tiempo.

Cuando el resultado de lo anterior es la combinación en grupo de dos tiempos, de los que el primero es acompasado (fuerte) y el segundo es débil, nos encontramos ante una célula rítmica binaria. Si la combinación es de un tiempo acentuado o fuerte y dos débiles, tenemos una célula rítmica ternaria. Generalmente, a estas células rítmicas se las llama compases. Por tanto, compás es la división regular del ritmo. Para indicar los compases, al principio del discurso musical se escriben unos números en forma de quebrados. (2/4, 3/4, 4/4), que indican compases a dos, tres o cuatro tiempos.

Para indicar la velocidad de ejecución se utilizan indicaciones metronómicas (tiempos por minuto) o unos vocablos de los que presentamos los más usuales:

-      Grave, o movimiento muy lento y solemne.

-      Largo, que significa muy lerdo y majestuoso.

-      Adagio, o movimiento lento y alargado.

-      Andante, o movimiento normal.

-      Allegro, o movimiento alegre y en cierta forma rápida.

-      Vivace, que indica un tiempo muy rápido y vivo.

-      Presto, o movimiento muy rápido.

·         La armonía es la combinación de varios sonidos que suenan simultáneamente y que forman un todo agradable al oído. También puede definirse como el arte de formar y enlazar los acordes, entendiendo por acorde la combinación simultánea de tres o más sonidos de la misma melodía. Tradicionalmente, los acordes se formaban adicionando a un sonido básico fundamental otros sonidos situados, según el orden de la escala en sentido ascendente, a tres intervalos del sonido básico ―intervalo musical de tercera―; la misma operación se hacía sobre este segundo sonido, y así sucesivamente. La armonía contemporánea da cabida a formaciones acordadas totalmente libres: por segundas, cuartas, etc.

Cuando varias melodías suenan simultáneas y guardan cierta relación armónica, se produce el contrapunto.

Estos tres elementos, la melodía, el ritmo y la armonía, definen un estilo musical y lo diferencian de otros estilos.

A lo largo de la historia de la música, la melodía, el ritmo y la armonía se han combinado con mayor protagonismo de uno u otro elemento. Según el elemento que predomine, se puede establecer cuatro estilos musicales, en los que pueden hacerse numerosas subdivisiones.

1.   Estilo monofónico. Su base es una melodía pura, sin acompañamiento de ninguna especie. El canto gregoriano y casi toda la música de la Antigüedad son monofónicos. En la actualidad gran parte de legado musical del folclore es también de estilo monofónico.

2.   Estilo homofónico. Consiste en una melodía con un acompañamiento armónico de otras voces o de instrumentos que se subordinan a la melodía y la refuerzan, pero nunca la oscurecen. Por ejemplo, cuando un cantante se acompaña a la guitarra. Este estilo fue muy común en el siglo XVII y lo siguen practicando en la actualidad numerosos cantautores.

3.   Estilo polifónico. Es el resultado de varias líneas melódicas que suenan de forma simultánea e independiente y que convergen en todo armónico. Este es el estilo que han practicado los grandes músicos a partir del siglo XIV. Desde el siglo XV, la mayor parte de la música culta es polifónica.

4.   Estilo inmelódico. En él, la melodía no es reconocible bajo ningún aspecto. En el estilo inmelódico se enmarca la mayor parte de la música de vanguardia: concreta, abstracta, electrónica y aleatoria.

Aunque puede establecerse una sucesión histórica de estos cuatro estilos, todos ellos coexisten en la actualidad. Así, hay autores de vanguardia que siguen cultivando la línea melódica. Cada compositor se encuadra en uno de estos estilos, pero además posee rasgos peculiares que constituyen su sello o estilo personal.

Fragmentos tomados de La Enciclopedia del Estudiante, Santillana

Rarezas

compositores  originales

La música seria en general no es asunto de risa. Pero algunos compositores han demostrado que un toque de humor no siempre está fuera de lugar en música de valor perdurable.
Uno de ellos fue el francés Erik Satie. Nacido en 1866, trabajó años como pianista en un cabaret parisino y componía en sus ratos libres. Tanto en su vida como en su música manifestó un inusual sentido del humor. Daba a sus obras extraños títulos como Tres piezas en forma de pera, y llenaba las partituras con instrucciones estrafalarias para los intérpretes. En una obra pide al pianista que toque como si fuera “un ruiseñor con dolor de muelas”.
La vida privada de Satie era igualmente excéntrica, nunca se le vio sin paraguas, de los cuales tenía cientos, y vivió los últimos 30 años de su vida en un cuarto de un suburbio de París, donde no permitía entrar a nadie. Cuando al fin sus amigos entraron al cuarto después de su muerte, en 1925, sólo encontraron una cama, una silla, una mesa, un piano roto y 12 trajes de terciopelo gris comprados el mismo día y sin estrenar. Pero las extravagancias de Satie no obstaron para que su música fuera apreciada por sus más talentosos contemporáneos; influyó en muchos compositores posteriores y aún goza de gran popularidad.
En contraste, Charles Ives, compositor estadounidense del siglo XX, fue mucho más estrafalario en su música que en su vida. Pese a haber estudiado música, decidió que la venta de seguros le ofrecía una mejor vida, y, de hecho, se hizo millonario con dicha actividad. Pero dedicó a la composición casi cada momento libre de su atareada vida, y componía en los trenes y por las noches en casa. Poco pensó en la ejecución o la publicación de su obra, que en gran parte vio la luz pública sólo después de su muerte, acaecida en 1954.
Ives encontró la inspiración en los sonidos de la vida cotidiana. En su música se mezclaba el tañer de las campanas de una iglesia con una banda militar, el silbido de vagabundos y el ritmo de un himno, en una gloriosa discordancia experimental. En otras palabras, como verdadero excéntrico, hizo exactamente lo que quiso cuando lo quiso, y el resultado fue una música que es única en su energía y originalidad.

¿Sabía usted qué...?, Reader’s Digest, 1990

Pentagramas y claves

El lenguaje musical (2)

Nuestra música occidental usa siete sonidos naturales. Ordenados correlativamente y partiendo desde la nota DO, entre un sonido y su inmediato existe la diferencia acústica de un tono, excepto entre las notas MI-FA y SI-DO, entre las que solo existe medio tono. La ordenación correlativa de estos siete sonidos naturales se denomina escala diatónica. Cuando la ordenación se realiza a distancia de medio tono, el resultado es una escala de doce sonidos que se denomina escala cromática.

La escala actual está basada en el sistema temperado, que toma el semitono como el intervalo más cercano entre dos sonidos. Este sistema se debe al español Ramos de Pareja. Todo intervalo natural se puede subir medio tono mediante un sostenido (#) o bajar medio tono mediante un bemol (b). El efecto del sostenido o bemol desaparece con el becuadro (♮).

El pentagrama es el entramado fundamental de una partitura sobre el cual se ubican los demás símbolos. Cada una de las cinco líneas y sus espacios intermedios corresponden a los siete tonos repetitivos de la escala diatónica, de acuerdo con la clave en uso. Por ejemplo, en un pentagrama con la clave de sol, la primera línea inferior corresponde a la nota Mi (E) correspondiente al Do central (C). El espacio inmediatamente superior es Fa (F4) y así sucesivamente:

 

Las claves son signos que se escriben al principio de un pentagrama y que indican la altura y el nombre de los sonidos. Las claves utilizadas en la actualidad son tres: clave de Sol, clave de Fa y clave de Do. El sonido que da nombre a cada clave se escribe en la línea del pentagrama en la que figura dicha clave.

Clave de Sol: El centro de la espiral define la línea o espacio sobre el cual descansa la nota SOL sobre el DO central o aproximadamente 392 Hz. Situada así, se asigna a Sol sobre el Do central a la segunda línea del pentagrama contada desde la parte inferior y se conoce como la «clave de agudos». Esta es la clave más común en notación musical y se usa para la mayor parte de la música vocal moderna:

 

Clave de Fa. La línea o espacio entre los puntos en esta clave indica fa bajo el Do central o aproximadamente 175 Hz. Situada así, hace que la segunda línea del pentagrama contada desde la parte superior corresponda a fa bajo el Do central:

Clave de Do. Esta clave indica la línea (o espacio, rara vez) que representa al Do central o aproximadamente 262 Hz. Situada así, hace que la línea central del pentagrama corresponda al Do central. Mientras otras claves pueden situarse en cualquier lugar dentro del pentagrama para indicar varias tesituras, la clave de Do es considerada comúnmente una clave "movible": frecuentemente se sitúa en la cuarta línea. Esta clave es utilizada comúnmente en música escrita para viola, fagot, violonchelo y trombón. Reemplaza la clave de Fa cuando el número de líneas adicionales sobre la clave de Fa impide una fácil lectura:

 

Para resumir, la clave de Sol se pone siempre en la segunda línea del pentagrama. La clave de Fa puede ponerse en la tercera o cuarta línea. La clave de Do puede ponerse en la primera, segunda, tercera o cuarta línea.

Fragmentos tomados de La Enciclopedia del Estudiante, Santillana, y Wikipedia

La música de Chico Novarro

Algo Contigo

 

¿Hace falta que te diga,

que me muero por tener algo contigo?

¿Y es que no te has dado cuenta,

de lo mucho que me cuesta ser tu amigo?

Ya no puedo acercarme a tu boca,

sin deseártela de una manera loca.

Necesito controlar tu vida,

saber quién te besa y quién te abriga.

¿Hace falta que te diga,

que me muero por tener algo contigo?

¿Y es que no te has dado cuenta,

de lo mucho que me cuesta ser tu amigo?

Ya me quedan muy pocos caminos,

y aunque pueda parecer un desatino,

no quisiera yo morirme sin tener algo contigo.

Ya no puedo continuar espiando,

día y noche, tu llegada adivinando.

Ya no sé con qué inocente excusa pasar por tu casa.

Ya me quedan muy pocos caminos,

y aunque pueda parecer un desatino,

no quisiera yo morirme sin tener algo contigo.

Chico Novarro

Roma y su música

La  música  en  la  antigua  Roma

 

Roma, por su parte, heredó la cultura musical griega, pero no su refinamiento artístico, y por ello su aportación a la evolución musical no fue significativa.

La transmisión oral de la música prevaleció durante todo el primer milenio después de Cristo, época en la que los romanos adoptaron las formas musicales y los instrumentos griegos, que se fueron superponiendo a otros de origen etrusco y latino.

En Roma se fue perdiendo la asociación entre música y poesía, reservándose aquella exclusivamente para acompañar a los mimos y pantomimas o las danzas colectivas.

Particular importancia tuvo en Roma la música militar. los testimonios de los escritores latinos acerca de instrumentos y danzas son muy abundantes, sobre todo en Virgilio (siglo I a C), Varrón (siglo I a C) y Tito Livio (siglo I a C y siglo I d C).

En los teatros y circos de la Roma del período imperial eran frecuentes los concursos y las actuaciones musicales ante miles de espectadores a cargo de músicos que, en ocasiones, cobraban cantidades asombrosas.

De Nerón (37-68), el emperador romano que pasó a la historia como símbolo de crueldad, se escribió que tocaba varios instrumentos musicales, jactándose de ser el mejor músico del mundo, aunque sus contemporáneos no opinaban precisamente lo mismo.

La Enciclopedia del Estudiante, Santillana, 2006

La música también es lenguaje

El lenguaje musical (2)

La música es una experiencia personal, y el significado de esa experiencia puede ser diferente para cada persona. Pero, al mismo tiempo, la música es un lenguaje que sigue sus propias leyes y que, como tal, puede estudiarse de una manera sistemática y objetiva.

Imagen bajada de ceibal.edu.uy

Existen cuatro tipos de oído: físico o externo, psíquico o interno, absoluto o de reconocimiento y relativo o de reconocimiento parcial.

El oído humano no puede percibir los sonidos inferiores a las 20 vibraciones por segundo, llamados infrasonidos, ni superiores a las 20.000 vbcs/sg, o ultrasonidos. El sonido viaja a través del aire a 334 metros por segundo. Pero lo hace mucho más deprisa a través del agua: 1.200 m/sg, o de vidrio: 5.000 m/sg. Los infrasonidos son peligrosos: pueden hacer estallar el vidrio o incluso derrumbar paredes. Algunos animales, como el murciélago, tienen un oído asombroso: oyen sonidos de hasta 120.000 vbcs/sg. Otros como el perro oyen hasta 50.000 vbcs/sg, lo que permite construir silbatos ultrasónicos muy útiles en el caso de los perros adiestrados para ciegos, que pueden llamarlos con estos silbatos cuantas veces quieran, sin molestar a las personas que conviven con ellos.

En épocas primitivas, el hombre utilizó el sonido como un sustituto del lenguaje: adónde no llegan las palabras puede llegar el sonido de un instrumento de percusión y, utilizando el sonido como un código cuyo significado se conoce, puede comunicarse con una tribu vecina.

Pero ese mismo hombre primitivo se dio cuenta también de que el sonido susurrado al oído de un niño provocaba la calma e invitaba al sueño, mientras que una figura rítmica insistentemente repetida estimulaba a la lucha.

De todas estas comprobaciones acumuladas en la mente humana durante siglos ha ido surgiendo el hallazgo de la posibilidad de utilizar el sonido con intención de influir en el ánimo o en la voluntad de quien escucha. A través de un proceso muy largo y complejo, el sonido se ha convertido en arte, en el arte de la música.

Se entiende por sonido la sensación auditiva que producen las vibraciones causadas por cuerpos elásticos. Estas vibraciones se transmiten a manera de ondas concéntricas que si son de periodicidad regular, producirán propiamente el sonido; si las ondas son de periodicidad irregular, el resultado es el ruido.

En el sonido se pueden distinguir, entre otras cualidades:

·         La intensidad. Es la fuerza con que se producen las vibraciones acústicas, lo que se llama normalmente el volumen del sonido. Según esta cualidad, los sonidos son débiles (pianos), medios, fuertes o muy fuertes (fortísimos).

·         La altura o tono. Viene determinada por el número de vibraciones por segundo. Si las vibraciones por segundo son pocas, el sonido será grave, y si el número de vibraciones por segundo es muy elevado, el sonido será agudo.

·         El timbre. Es la peculiaridad de cada voz o instrumento, la cualidad que permite saber que lo que suena es una trompeta y no un violín, aunque no se vea el instrumento.

·         La duración. Es el tiempo que un sonido permanece reconocible por el oído humano. Para representar la duración de los sonidos musicales se usa como unidad de medida el pulso, una sensación rítmica regular que se produce al escuchar o hacer música. El pulso puede ser más rápido o más lento dependiendo de la música.

Fragmentos tomados de La Enciclopedia del Estudiante, Santillana

Alejandro Sanz

NO ME COMPARES

Alejandro Sanz

Ahora que crujen las patas

de la mecedora y hay nieve en el televisor

Ahora que llueve en la sala y se apagan

las velas de un cielo que me iluminó

Ahora que corren los lentos

derramando trova y el mundo, ring, ring, despertó

Ahora que truena un silencio feroz ahora nos entra la tos.

Ahora que hallamos el tiempo

podemos mirarnos detrás del rencor

Ahora te enseño de dónde vengo

y las piezas rotas del motor

Ahora que encuentro mi puerto

ahora me encuentro tu duda feroz

Ahora te enseño de dónde vengo

y de qué tengo hecho el corazón.

Vengo del aire

Que te secaba a ti la piel, mi amor

Yo soy la calle, donde te lo encontraste a é

No me compares

bajé a la tierra en un pincel por ti

imperdonable, que yo no me parezco a él…Ni a él, ni a nadie…

Ahora que saltan los gatos

buscando las sobras, maúllas la triste canción

Ahora que tú te has quedao sin palabras

comparas, comparas, con tanta pasión.

Ahora podemos mirarnos

sin miedo al reflejo en el retrovisor

Ahora te enseño de dónde vengo

y las heridas que me dejó el amor

Ahora no quiero aspavientos

Tan sólo una charla tranquila entre nos.

Si quieres te cuento por qué te quiero

y si quieres cuento por qué no.

Vengo del aire que te secaba a ti la piel, mi amor.

Soy de la calle

donde te lo encontraste a él.

No me compares, bajé a la tierra en un pincel por ti,

imperdonable, que yo no me parezco a él…Ni a él, ni a nadie…

Que alguien me seque de tu piel mi amor

que nos desclaven

y que te borren de mi sien

Que no me hables

que alguien me seque de tu piel, mi amor que nos desclaven

yo soy tu alma, tú eres mi aire..

Que nos separen, si es que pueden

que nos separen, que lo intenten

Que nos separen, que lo intenten

yo soy tu alma y tu mi suerte

Que nos separen, si es que pueden

que nos desclaven, que lo intenten

Que nos separen, que lo intenten

yo soy tu alma y tu mi suerte...

Fuente: musica.com

Una grande e inolvidable

Estela Raval

 

Nació bajo el signo de Tauro un 19 de Mayo del año 1929, con el nombre de Palma Nicolina Ravallo, en Buenos Aires, Argentina en el seno de una  humilde familia de inmigrantes italianos; era la meno de 8 hermanos.

Desde los 4 años de edad ya se subía a una mesa para cantar demostrando a todos su  precoz talento y apoyada por  sus  padres  y sus hermanos realiza  estudios  de  canto, baile  y declamación.

Se inicia profesionalmente a los 12 años de edad junto a su hermano Manuel Ravallo "Colorado", quien tocaba el bandoneón mientras ella cantaba y bailaba folklore vestida de gaucho. Su padre le puso el nombre de Estela, porque le decía que ella iba a cosechar una estela de éxitos en la vida.

Luego de la muerte temprana de su padre, Estela junto a su cuñada y concuñada forman el trío “Las Palomitas” que luego fuera cambiado por “Las Alondras” al existir, en ese momento, un grupo con el mismo nombre. Cantaban en castellano y en portugués.

El grupo realiza una gira por Sudamérica, permaneciendo un año en Brasil. Al regreso a Buenos Aires, en 1950, conoce al trompetista de la orquesta de Jazz “Los Colegiales”, Ricardo Romero, quien sería su esposo.  Se casarían el 5 de enero de 1954.

En 1953, Estela se integra a la orquesta del maestro Raúl Fortunato, con quien grabó el tema “Solito contigo”.

En 1955 Estela fue premiada como la mejor cantante de Jazz del año. En ese año Estela y Ricardo integraron el cuarteto vocal “Los 4 Bemoles” con el trompetista Tullio Gallo y el trombonista Jorge Pataro, saliendo de gira por los países limítrofes.

Al regreso de la gira, la presentación de “The Platters” (Los Plateros) en la Argentina los inspiró para formar un grupo musical latinoamericano con características similares que se llamó Los Cinco Latinos. Este grupo estaba compuesto por cuatro voces masculinas que eran también músicos y una femenina (Estela) que era la solista, a diferencia del norteamericano que estaba compuesto por cinco vocalistas hombres.

Por lo tanto los integrantes fueron: Estela Raval (la voz líder); Ricardo Romero (trompetista y director del conjunto); Héctor Buonsanti (tocaba el saxofón alto y el clarinete); Mario Crisiglione (ejecutaba el saxo barítono); Jorge Francisco Pataro (tocaba el trombón). Debutaron en el teatro El Tabarís el 22 de mayo de 1957.

El éxito de Los Cinco Latinos fue rotundo. Su fama trascendió a otros países del continente latinoamericano y luego en 1960 fueron a Europa, recorriendo gran parte de España durante un año y medio. A raíz del éxito en este país, tuvieron la oportunidad de presentarse en el Olympia de París. Luego viajaron a Portugal, Italia, Grecia, Egipto, Israel y Líbano para después presentarse en Inglaterra y volver a España para un programa especial de Eurovisión junto a Frank Sinatra. A finales de 1961 se presentaron en Miami, para luego partir a Los Ángeles, San Francisco, Hollywood, Las Vegas, Puerto Rico y regresaron a la Argentina después de una gira que duró casi tres años.

Realizan posteriormente varias giras mundiales posteriormente, llegando incluso hasta Japón.  En 1969 y en pleno éxito mundial Los Cinco Latinos anuncian su separación que efectuaron en febrero de 1970 después de 13 años. A partir de ese momento Estela comienza una nueva etapa como solista, solo acompañada por su marido, realizando también giras mundiales.

En 1982, con motivo del mundial de fútbol realizado en España, Estela recibe la propuesta de volver a juntar a Los Cinco Latinos para un programa especial, y así lo hicieron, se presentaron como Estela Raval y los Cinco Latinos.

Luego del gran reencuentro inician una larga gira por Europa, Puerto Rico, Venezuela, Republica Dominicana y Cuba, La Habana en donde fueran invitados de honor por la Secretaria de Cultura.

El 6 de junio de 2012 se produce su fallecimiento causada por un cáncer.

Chavela Vargas

Los invito a ver la despedida que le hicieron a la gran 

Chavela Vargas en México. 


http://www.youtube.com/watch?v=XSR66EYQW88&feature=share

La Llorona - Tania Libertad-Eugenia León-Lila Downs

www.youtube.com

Homenaje a Chavela Vargas 6 de Agosto de 2012.

http://www.youtube.com/watch?v=XSR66EYQW88&feature=share

Alberto Cortez

A Daniel, Un Chico de La Guerra

 

"A mí los dieciocho

me pasaron de largo,

estrenando opiniones,

intenciones y cantos.

Como todos los chicos,

con el puño cerrado

y en las puertas abiertas

el futuro esperando.

Al tuyo, bruscamente

te lo desamarraron

y te hiciste a la niebla

en el mar del espanto.

Encallaron tus sueños... Daniel

en la turba y el barro.

Fue la muerte bandera...

y la vida un milagro.

Lo mío fue distinto... Daniel...

lo mío no fue nada.

Yo no tengo esa sombra...

que vaga en tu mirada.

Mi batalla fue el riesgo

de un machete escondido

y mi pozo de zorro,

un amor y un olvido.

Mi fusil, las pintadas

en los muros vacíos

y el morir por la Patria,

un discurso florido.

Tu excusa de ser hombre:

algo más que el motivo

de la barba y el porte

y el salir con los amigos,

fue volverte habitante... Daniel

de la lluvia y el frío;

asumir el naufragio

con los cinco sentidos.

Lo mío fue distinto... Daniel...

lo mío no fue nada.

Yo no tengo esa sombra...

que vaga en tu mirada.

Mi asunto fue un asunto

de madre preocupada

que no fuera muy tarde

el regreso a la casa.

De domingo a domingo

me peinaba las alas,

sin andar cada jueves

reclamando su alma.

La tuya, sin embargo,

agotaba hasta el alba

las escasas noticias

de las islas lejanas.

Un indicio cualquiera... Daniel

un rumor que saltara,

por pequeño que fuera...

era ya la esperanza.

Lo mío fue distinto... Daniel...

lo mío no fue nada.

Yo no tengo esa sombra...

que vaga en tu mirada.

El tiempo irá trayendo

la amnesia inexorable.

Habrá muchas condenas

y pocos responsables.

Dirán que fue preciso,

dirán, ""inevitable"",

y al final como siempre

será Dios el culpable.

La historia necesita

en sus escaparates,

ocultar el trasfondo

de tanto disparate.

No es tuya la derrota... Daniel

no cabe en tu equipaje,

¿Acaso las gaviotas...

otra vez en el aire?

Lo mío fue distinto... Daniel...

lo mío no fue nada.

Yo no tengo esa sombra...

que vaga en tu mirada."

Alberto Cortez

La música como lenguaje

El lenguaje musical (1)

1El 

La música guarda una semejanza clara con el lenguaje hablado. Como éste, se trata de un discurso sonoro que el oído puede seguir; y del mismo modo que el lenguaje hablado se construye con fonemas, sílabas, palabras y frases, la música se organiza mediante notas, motivos, frases, períodos y secciones que se estructuran en formas musicales. Uno de los principios básicos de organización formal de la música es la simetría. En las artes visuales la simetría se percibe de inmediato, pero en la música la simetría requiere tiempo, ya que solo se manifiesta mediante la repetición o reaparición de elementos que permiten el reconocimiento de lo ya oído.

La repetición es la base de la forma musical, y lo que distingue entre sí unas formas de otras es el modo particular en que las repeticiones se efectúan. Así se puede distinguir entre formas básicas que son aquellas que constan de un solo movimiento; formas compuestas, que son las que, como los libros, se estructuran en capítulos a los que se denomina movimientos, y formas libres, que serían aquellas que no se ajustan a un plan prefijado.

Dentro de las formas básicas se diferencian las formas que se estructuran por repetición de frases y las que se estructuran por imitación de temas. En las primeras categorías están las siguientes:

·         Forma primaria. Breves composiciones constituidas por una sola rase musical (AAAA…). Es el caso de las canciones en que se repite la misma frase musical mientras cambia la letra.

·         Forma binaria. Su segunda sección presenta un material musical diferente del de la primera (A-B). La suite barroca se componía de un conjunto de danzas estructuradas según esta forma.

·         Forma ternaria. Habitualmente llamada lied. Son posibles varios tipos: A-B-A; A-B-B; A-A-B; A-B-C…, pero la estructura más utilizada responde a la forma A-B-A, en la que una sección (B) se encuadra entre dos apariciones de la misma frase (A).

·         Rondó. Un tema reaparece continuamente entre otros temas de carácter secundario que sirven de contraste. Si llamamos A al principal y B.C.D… a los secundarios, tendríamos A-B-A-C-A-D-A…

·         Canción. Consta habitualmente de dos frases. La primera se llama estrofa o copia (A) y la segunda estribillo (B), desarrollando el esquema AABAB o alguna de sus variantes, y presentando las estrofas textos diferentes en cada aparición y el estribillo siempre el mismo texto.

Las formas estructuradas por imitación no utilizan la repetición de frases, sino que, en estilo polifónico, presentan temas que se imitan, transforman o varían, como el canon, el madrigal y la fuga.  

Las formas compuestas se articulan en movimientos o partes que, siendo independientes, forman un todo, como la sonata, el concierto la sinfonía y la cantata.

Las formas libres no se ajustan a un plan prefijado, siendo fruto de la inventiva del compositor, como la fantasía, el capricho y el nocturno, o de la presentación musical de un programa, con el poema sinfónico.

Fragmentos tomados de La Enciclopedia del Estudiante, Santillana

Reconocimiento

Una violoncellista argentina recibió el premio Würth en Alemania

       

La violoncellista argentina Sol Gabetta recibió este martes en Weikersheim, Alemania, el premio Würth que entrega la asociación musical de jóvenes Jeunesses Musicales Deutschland (JMD).

La celebrada artista "consiguió elevar la popularidad de la música clásica de un modo notable", señaló el jurado al explicar el premio, según consignó la agencia alemana DPA.

Gabetta, nacida en Córdoba en 1981 e hija de padres franco-rusos, recibirá también 10.000 euros que forman parte de la distinción.

La artista que estudió en Madrid, Basilea y Berlín, ha recibido numerosos lauros desde el inicio de su carrera.

El premio Würth se entrega desde 1991 a artistas, grupos y proyectos que impulsan los valores y objetivos de la asociación JMD. Entre otros fueron laureados el compositor Philip Glass, el director Claudio Abbado y conjuntos como la Filarmónica Alemana Joven, el Cuarteto Artemis y la Orquesta Federal Juvenil

Agencia TELAM,  información del 24 de Julio de 2012

       

La  música  en  la  antigua  Roma

Roma, por su parte, heredó la cultura musical griega, pero no su refinamiento artístico, y por ello su aportación a la evolución musical no fue significativa.

La transmisión oral de la música prevaleció durante todo el primer milenio después de Cristo, época en la que los romanos adoptaron las formas musicales y los instrumentos griegos, que se fueron superponiendo a otros de origen etrusco y latino.

En Roma se fue perdiendo la asociación entre música y poesía, reservándose aquella exclusivamente para acompañar a los mimos y pantomimas o las danzas colectivas.

Particular importancia tuvo en Roma la música militar. los testimonios de los escritores latinos acerca de instrumentos y danzas son muy abundantes, sobre todo en Virgilio (siglo I a C), Varrón (siglo I a C) y Tito Livio (siglo I a C y siglo I d C).

En los teatros y circos de la Roma del período imperial eran frecuentes los concursos y las actuaciones musicales ante miles de espectadores a cargo de músicos que, en ocasiones, cobraban cantidades asombrosas.

De Nerón (37-68), el emperador romano que pasó a la historia como símbolo de crueldad, se escribió que tocaba varios instrumentos musicales, jactándose de ser el mejor músico del mundo, aunque sus contemporáneos no opinaban precisamente lo mismo.

La Enciclopedia del Estudiante, Santillana, 2006

La música de León Gieco

Solo le pido a Dios

León Gieco

Sólo le pido a Dios

que el dolor no me sea indiferente,

que la reseca muerte no me encuentre

vacío y solo sin haber hecho lo suficiente.

Sólo le pido a Dios

que lo injusto no me sea indiferente,

que no me abofeteen la otra mejilla

después que una garra me arañó esta suerte.

Sólo le pido a Dios

que lo injusto no me sea indiferente,

si un traidor puede más que unos cuantos,

que esos cuantos no lo olviden fácilmente.

Sólo le pido a Dios

que la guerra no me sea indiferente,

es un monstruo grande y pisa fuerte

toda la pobre inocencia de la gente.

Sólo le pido a Dios

que el engaño no me sea indiferente,

si un traidor puede más que unos cuantos,

que esos cuantos no lo olviden fácilmente.

Sólo le pido a Dios

que el futuro no me sea indiferente,

Desahuciado está el que tiene que marchar

a vivir una cultura diferente

Los sonidos de la Tierra

¿Cómo hacer comprender a un habitante de un planeta lejano lo que son y cómo viven los seres humanos en la Tierra? Esta fue la pregunta que se planteó a un comité de expertos en 1977, cuando las naves espaciales de EUA Voyager 1 y 2 iban a ser lanzadas en un viaje al espacio con un saludo para cualquier forma de vida inteligente con que se toparan. Para sorpresa de muchos, los expertos coincidieron en que uno de los mejores modos de comunicarse con extraterrestres sería no con palabras o imágenes, sino con música. Dedicaron los 87 minutos del videodisco de los Voyager a una selección de los “grandes éxitos musicales de la Tierra”

¿Por qué la música? En primer lugar, porque se estructura —desde un blue de ocho compases hasta una compleja fuga de Bach— se basa en números, y la armonía es de fácil análisis matemático. Las matemáticas son el lenguaje más universal, por lo que era más probable que los extraterrestres comprendieran la estructura matemática de nuestra música más que cualquier otra cosa sobre nosotros. Además, expresa los sentimientos humanos mejor que otros medios y podría representar la variedad de culturas. No ha habido sociedades sin su música típica para expresar tristeza y dolor, alegría y tranquilidad.

Al seleccionar la música que representaría a la humanidad en el universo, la clave fue la variedad. Se eligieron canciones aborígenes de Australia, el Night Chant de los navajos y una canción de boda peruana; música de gamelán de Java, de zampoñas de las islas Salomón y de Perú, una raga de la India y música ch’in de China; piezas para gaitas de Azerbaiyán, flautas de Bambú de Japón y percusiones del Senegal.

También se incluyeron canciones de Georgia, Zaire, México, Nueva Guinea y Bulgaria; el blues Dark Was the Night con Blind Willie Jonson, Melancholy Blues con el trompetista de Jazz Louis Armstrong y Johnny B. Goode con el cantante de rock Check Berry. De la tradición culta occidental se seleccionó música para flauta renacentista, tres obras de Bach y dos de Beethoven, un aria de La flauta mágica de Mozart y La consagración de la primavera de Stravinsky.

¿Son éstos los éxitos musicales de la Tierra? Al menos son hoy los que más podrían persistir. El videodisco, de cobre con chapa de oro, fue fabricado para que dure 1.000 millones de años.

¿Sabía usted qué...? Reader’s Digest, 1990